Aimaako

Pablo Reche (Argentina)

Trabaja en el campo de la música experimental. En sus puestas sonoras, alterna piezas basadas en grabaciones de campo junto a la manipulación de distintas fuentes sonoras, utilizando el ruido como él elemento estético-expresivo principal. En el año 2000 edita su primer CD, en el sello catalán Gracia Territori Sonor, y es convocado a presentarlo oficialmente en el Festival Sónar de Barcelona. Ese mismo año es seleccionado finalista en la categoría Música, de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires. Durante el año 2003 es seleccionado músico residente del Laboratorio de Investigaciones Multidisciplinarias del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Limb0). Su música ha sido editada en distintos sellos musicales de America y Europa. Ha realizado conciertos, talleres e instalaciones sonoras en Argentina, España, Portugal, Chile, Perú, Uruguay, Canadá y Holanda. Participó en prestigiosos festivales internacionales como Sónar (Barcelona), Mutek (Montreal), Experimentaclub (Madrid), Observatori (Valencia), Arsónica (Sevilla), LEM (Barcelona), Vibra (Lima). Ha compuesto piezas musicales por encargo, para danza contemporánea y obras de teatro. Ha compuesto piezas y conciertos en colaboración con prestigiosos músicos con Zbigniew Karkowski, Christof Kurzmann, Gunter Muller, Jason Kahn, Cornucopia, y Alan Courtis.


Interzonas (2019) Live Electronics:

Para este concierto, utilizaré distintas interfaces, que son las que harán posible el desarrollo del mismo. El trabajo comienza con el registro de distintos sonidos y texturas, obtenidas tanto de fuentes naturales como creadas digitalmente en mi estudio, para luego mediante estas interfaces, y su procesamiento y comunicación en tiempo real, crear un nuevo nivel de información (musical).


Rodrigo Cádiz (Chile)

Rodrigo F. Cádiz (1972) is a composer, researcher and engineer. He studied composition and electrical engineering at Pontificia Universidad Católica de Chile in Santiago, where he studied with Aliocha Solovera, Alejandro Guarello and Pablo Aranda. He obtained his Ph.D. in Music Technology from Northwestern University, where he studied composition with Augusta Read Thomas and Jay Alan Yim, and computer music with Gary Kendall, Virgil Moorefield and Amnon Wolman. His compositions, consisting of approximately 40 works, have been presented at several venues and festivals in Latin America, North America and Europe. His catalogue considers works for solo instruments, chamber music, symphonic and robot orchestras, visual music, computers, and new interfaces for musical expression, in particular brain-computer interfaces and the Arcontinuo, a new electronic musical instrument he has been working on with two more colleagues for the past 10 years. He has received several composition prizes and artistic grants both in Chile and the US. He has released two solo CDs with some of his works: Unisono, a double CD, and De Natura Organica, a long-duration composition for organ.


iCons (2007) Mixta Para Airtouch; Ellipsis (2018) Mixta Para Arcontinuo; Kara III (2019) Mixta Para interfaz BCI; Sibila (2019) Mixta Para GameTrack.


Joao Pedro Oliveira (Portugal)

João Pedro Oliveira (nacido en 1959) estudió órgano, composición y arquitectura en Lisboa. Doctorado en Composición por la Universidad de Stony Brook. Sus trabajos incluyen una ópera de cámara, uno Requiem, varias obras para orquesta, tres cuartetos de cuerda, música de cámara, música para instrumentos solistas, la música electroacústica y el vídeo experimental. Recibió mas de 50 premios internacionales, entre ellos tres premios en el concurso de Música Electroacústica de Bourges, y el prestigioso Magisterio en la misma competición, el Premio Giga-Hertz, el 1er Premio en el concurso Metamorphoses, el 1er Premio en el concurso Yamaha-Visiones Sonoras, etc.. Es profesor de la Universidad Federal de Minas Gerais (Brazil). En Enero de 2020 empiezará a enseñar en la Universidad de California en Santa Barbara. Ha publicado varios artículos en revistas nacionales e internacionales, y ha escrito un libro sobre la teoría analítica de la música del siglo XX.


Interacción gestual entre sonido e imagen [charla]:


Esta presentación analiza varias posibilidades de interacción entre el movimiento de la imagen y el sonido, bajo la perspectiva de las relaciones gestuales y texturales. Partiendo de teóricos como Hatten, Smalley, Wishart y Chion, que analizaron la idea del gesto y la textura en la música, presentamos varios ejemplos del repertorio del cine (Hitchcock, Lawrence, Kubrick, Reggio, Tarkovski), así como algunos de nuestros víedos experimentales, donde los gestos específicos en la imagen se interrelacionan con los gestos de sonido/música, en formas que pueden tener múltiples significados, o ir más allá de la traducción directa de uno a otro. El gesto será analizado estructuralmente relacionado con su potencial energético, inducción de emociones, movimiento y significado / metáfora. Otros conceptos como causalidad, trayectoria de movimiento de energía, articulación de un continuo, niveles jerárquicos y perturbaciones, analizados por los autores mencionados anteriormente, también se aplicarán a la relación imagen-sonido.


N'vi'ah (2019) Acusmática:


Obra resultado del proyecto de residencia en el Laboratorio de Fenomenología Corporal y Experiencia musical de la Universidad Diego Portales patrocinada por IBERMUSICAS.


Gabriel Zamora (Chile)


Músico, percusionista de la orquesta filarmónica Alimapu, compositor electroacústico e investigador en el área de la acusmática y paisajes sonoros de Chile, licenciado en artes tecnología y gestión musical de la Universidad de Valparaíso.


Viña Indómita (2017) Acusmática:

La obra Viña Indómita es una composición musical basada en tres obras de paisaje electroacústico que se realizaron en la ciudad de Viña del Mar en el año 2017, el motivo de la obra fue el interés de evidenciar el problema medioambiental en la ex-ciudad jardín que presenta un gran problema de "Gentrificación".


Fulya Ucanok (Turquía)


Fulya Uçanok is an Istanbul-based pianist, electroacoustic composer and improviser. Born in Turkey, she studied classical piano at Hacettepe University Ankara State Conservatory and completed her master’s degree in Istanbul Technical University, Advanced Studies in Music (MIAM). Afterwards she went to Indonesia/Bali to study gamelan with the Indonesian Government scholarship Darmasiswa. During her one and a half year stay, she studied Balinese “Gender Wayang” musical tradition, focusing on socio-musical relations. Upon her return, she began her doctoral studies at İTÜ MİAM Sonic Arts Department focusing on electroacoustic music composition and performance. Her current interests include, accessibility without popularization, mechanisms of mediation, in-between-ness, pluralism, and non-power within the medium of electroacoustic music aesthetics, composition and performance practices. She is a member of “Klank.ist impro”, an ensemble consisted musicians interested in free improvisation and interdisciplinary works. Uçanok, is currently a PhD candidate in Sonic Arts department in İTÜ MİAM, and a research assistant at İstanbul Bilgi University music department.


Assembly (2017) Acusmática:

Assembly is a piece that is inspired by socio-musical utopia. It opens up with short gestures of glitches, and silences that are treated as “organisms”. These individual “sound organisms” slowly accumulate throughout the piece, grow and swell boisterously uniting within the realm of “Noise”.


Adam Stanovic (Reino Unido)

Adam Stanović is an award-winning composer and performer specialising in contemporary electronic music. His works employ a fixed-medium (sometimes accompanied by instruments, electronics, film, and animation), with many exploring relations between pitch and noise. In recent years, Stanović’s compositions have received prizes, awards and mentions in just about all of the major competitions in the field. They have been heard in over 400 international performances to date, and released on 12 different record labels. Stanović regularly speaks and writes on matters concerning electronic music.


Metallurgic (2015) Acusmática:

In early 2015, I was extremely frustrated by an increasingly prominent ‘trope’ that appeared to have emerged (and arguably still exists) within the field of electroacoustic music; the form of certain works appeared to rest on little more than the mere presentation of dissimilarity between two sets of materials and their subsequent tussle for dominance. Metallurgic set out to parody this trope. I started by recording a wide range of metallic objects; in my mind, the sound of metallic objects had become an electroacoustic standard, and I set about exploring my recorded materials with little concern for the inevitable clichés that would result. A sustained pitched sound was ultimately contrasted with various noise-based granular materials, thus establishing the kind of binary contrast that I was attempting to parody. To my surprise, it was extremely difficult, and enjoyable, to work with this binary. The act of composition was every bit as complex and fascinating as my experience of composition more generally, and I completed the piece having developed a genuine and long-lasting respect for the very trope that I had set out to parody. The title of this work is as close to an electroacoustic ‘standard’ as I could muster.


Valentina Villarroel (Chile)


Valentina Villarroel; artista/paisajista sonora y musica experimental, se dedica al trabajo y a la creación en torno a las prácticas sonoras, principalmente al trabajo de grabación de campo, registros de paisajes sonoros. Creadora de los Osciladores Bowerbankii instrumentos y directora de AOIR Laboratorio -Talleressonoros.


Picorocos Adheridos a las Rocas (2019) Acusmática:

Playa La Cata es una playa rocosa y angosta ubicada en la localidad de Lirquén, comuna de Penco. En el registro sonoro podemos escuchar en primer plano el movimiento de picorocos (pequeños crustáceos marinos,que permanecen inmóviles adheridos a las rocas). Las pozas y rocas suelen ser el primer hogar de estos crustaceos de fondo podemos escuchar el mar junto con la operación o descarga de contenedores que suena a lo lejos en el puerto de Lirquén. Se le llama playa la cata debido a que una mujer llegó a instalarse en el año 1940 a la pequeña caleta. Ella logró subsistir gracias a la abundancia del erizo y otros mariscos que se daban en la pequeña isla, en particular sobre los islotes de piedra que asoma y se sumergen con las mareas.


Filippo Mereu (Italia)


Born in 1983 in Sardinia, Italy. He received the Master of Arts in electronic music, summa cum laude, at the Music School “Pierluigi da Palestrina”. He attended various training courses and seminars held by the following composers: Xabier Iriondo, Luigi Ceccarelli, Stefano Zorzanello, Marco Donnarumma, Romeo Scaccia, Marcel Wierckx, Bernard Fort, Tim Hodgkinson, Lionel Marchetti. Co-founder and member of the improvisational electroacoustic duo “Terminale3”, with which he released the album “I-son” (TiConZero, 2014). I have been selected and awarded at several festivals: XIX CIM, Tempo Reale Festival, DI_stanze, EMUFest, MA/IN Matera Intermedia, Time In Jazz, Music In Touch, Signal.


This is not a Violin (2018) Acusmática:

I composed this acousmatic piece by using violin timbres. I recorded improvisation sessions and extracted the most interesting parts. Then I deconstructed, handled and reassembled this sound material. The timbres have been manipulated through analog and digital devices by subjecting them to several types of processing: alteration of pitch, filtering, modulation and granular synthesis. The macroformal level of the resulting work is characterized by the presence of various contrasts and fractures in the sound material.


Gerardo Figueroa (Chile)


Gerardo Figueroa Rodríguez (Santiago de Chile, 1969) tiene a su cargo desde 1988 el proyecto de investigación artística denominado GFR Broadcasting System. Integra la Asociación Chilena de Estudios de Música Popular [ASEMPCH], la Comunidad Electroacústica de Chile [CECH], la Sociedad Internacional por la Música Chilena (SIMUC) y la Red de Investigadores en Artes y Humanidades [AyH]. En la actualidad, realiza labores docentes en la Escuela de Producción Musical de la Universidad Academia de Humanismo Cristiano [UAHC] y cursa el Magíster en Musicología Latinoamericana de la Universidad Alberto Hurtado [UAH]. Forma parte, además, del colectivo experimental antes llamado GMS/FBW y produce la radioinstalación "Sonidos tomados en Chile: un podcast en marcha" [Radio Tsonami].


Ricardo Tapia (Seiten Wall) (Chile)


Seiten Wall: Músico y compositor (Instituto Profesional Arcos). Integrante de las agrupaciones experimentales “GMS/FBW” (con Gerardo Figueroa y Martín Benavides) y “Una Banda” (con varios artistas desconocidos y no tanto). Integrante de la Comunidad Electroacústica de Chile CECh y del equipo organizador del Festival de Música Electroacústica Ai-Maako desde 2016. Desde 2012, tiene a su cargo el netlabel Amakonda Amus y reparte su actividad entre diversos proyectos musicales, una tienda de discos virtual, su hijo y el ocio de la vida.


#Revolution 9, 50años: recorrido y consecuencias de una protointerfaz ineludible [Charla]

La aparición del track "Revolution 9" en el álbum doble The Beatles, conocido en el globo como The White Album y en Chile como los discos Apple 2001 y 2002, constituye un hito en la historia de la música del siglo XX. Basado fundamentalmente en técnicas de organización sonora derivadas de la musique concrète, logró exponer a esta última al público masivo como nunca lo ha hecho pieza alguna, disolviendo la frontera entre música docta y popular (Oswald 2001). Prueba de lo anterior es su inclusión en dos versiones del festival organizado por el San Francisco Tape Music Center en Estados Unidos, dedicado exclusivamente a obras de carácter acusmático. Una revisión de los detalles de su composición y construcción final en los estudios de Abbey Road, propiedad del sello EMI en Londres, certifican su carácter popularizador de técnicas y prácticas asociadas en la actualidad al concepto de interfaz de audio, dada la concentración de funciones presentes en estas últimas y que fueron organizadas en la oportunidad apelando a la estricta aplicación del concepto, entendido como la conexión física y funcional entre dos aparatos o sistemas independientes. La ponencia presentada en esta oportunidad pretende profundizar en estos ámbitos, posicionando esta obra como parte del corpus acusmático histórico universal.


Federico Schumacher (Chile)


Compositor. Investigador asociado, Laboratorio de Interacción Humana, Facultad de Psicología, Universidad Diego Portales (Chile). Estudios en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Francia y Canadá. Candidato a Doctor en Música (Brasil). En tanto compositor se ha dedicado preferentemente a la composición de obras acusmáticas, por las cuales ha recibido diversos reconocimientos y distinciones en Chile y el extranjero. Como investigador se ha interesado en la historia de la música electroacústica en Chile y en la cognición musical relacionada con la experiencia musical acusmática. Dirige y participa de proyectos de investigación financiados por Conicyt y el Fondo de la Música Nacional del Ministerio de las Culturas y las Artes.


Interfaces de escucha. Emoción y dispositivo de representación acústica en acusmática [Charla]

La noción de interfaz se relaciona con "algo" que media entre otros "algos". Es decir un objeto, o tecnología, que permite la mediación entre un sujeto y un objeto o viceversa. Usualmente, en el contexto de la composición musical, estas interfaces median entre compositor y dispositivo de producción, sean éstas papel y lápiz o mouse y pantalla de computador. Sin embargo, también podemos considerar a un dispositivo de escucha -audífonos, alto parlantes o sistema de sonido- como una interfaz entre un flujo sonoro y auditor@s, la que en el caso particular de la acusmática, es un dispositivo multiparlantes, dispuestos espacialmente alrededor de l@s auditor@s. En esta ponencia describiremos las hipótesis y resultados de un diseño experimental donde se explora la posibilidad de una relación emocional con el dispositivo de escucha acusmático. Donde el "escuchar como se escucha" podría ser parte de una relación afectiva entre dispositivo y sujet@s, independiente de la valoración del contenido semántico de lo escuchado.


Tomás Thayer (Chile)


Licenciado en Música y Magister en Educación con mención en Informática Educativa Universidad de Chile 1987; 2008. Actualmente, profesor titular del Departamento de Música de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación; Doctorando en Didácticas Específicas: Educación Musical en la Universidad de Valencia. Diplomado en Educación Emocional (UNESCO, 2003); Diplomado en Pedagogía Virtual (UMCE - U. de Lund, 2009), Director del Laboratorio Virtual del Programa de Innovación en Ciencia y Arte, de la UMCE; PicaLab. (www.picalab.cl) financiado por V TIC-EDU de FONDEF – Conicyt; Encargado de sustentabilidad de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación y miembro profesional fundador de la Red Campus Sustentable RCS. Miembro colaborador de la CECH. Su trabajo investigativo está centrado en desarrollo de material didáctico interactivo y metodologías interdisciplinarias para pedagogía en música, tecnología, música y matemática. Ha profundizado en el estudio y práctica de la música clásica del norte de India por más de 27 años liderando la agrupación Sargam Chile. (www.sargam.cl). Es intérprete en Bansuri, (flauta de bambú clásica del norte de India) y fue discípulo del Maestro Sénior de Bansuri G. S. Sachdev entre 1994 – 2018. Ha producido dos CD, 2001 y 2011, con aportes del Fonmus, y ha colaborado como productor en la Colección de Música Electroacústica Chilena (2006 – 2010).


"De los Prototipos Experimentales de Picalab a los Instrumentos Virtuales MMSI (MusiMatemáticas Sonoras Interactivas) [Charla]

Las aplicaciones MMSI de Picalab(*), se fundamentan principalmente en la premisa de que es posible fortalecer el proceso de enseñanza y aprendizaje de conceptos matemáticos al tener un contexto común entre profesor y estudiantes. Este contexto permite el desarrollo de un medio por el que transita la información de los contenidos que facilita a su vez la construcción de conocimiento. En este caso, se plantea que dicho contexto debe tener un nivel alto de significación para la y el estudiante. Desde esa perspectiva, el arte y la música son de gusto e interés universal; por tanto, es un buen candidato para este desarrollo. También se agrega a esta experiencia, que la música y el sonido entregan una forma de representación adicional de los conceptos matemáticos abordados en los MMSI. De esta forma, se propone la utilización metáforas musicales, las que responden a la naturaleza multimodal de la cognición humana (Radford y André, 2009). Las metáforas ofrecen a las alumnas y los alumnos un medio más para introducirse en conceptos abstractos de las matemáticas y, a su vez, ofertan al docente otro contexto con el cual abordar el proceso de enseñanza (Araya, 2000; Ministerio de Educación de Chile, 2012). (*) Picalab: Laboratorio Virtual para el Programa de Innovación en Ciencias y Arte. FONDEF: TIC-EDU.


Multipulsos (2019) Live Electronics:

Multipulso” es una interfaz e instrumento virtual que facilita una performance ejecutada y programada en tiempo real, utilizando la aplicación Multipulso de Picalab. Multipulso fue programado en Pure Data por Mirko Petrovich en el 2013. Ahora ha sido modificada para utilizarse como una interfaz y generador virtual de patrones sonoros utilizando sonidos provenientes de dos módulos MIDI. Además el set electroacústico incluye el uso de controlador de aire y sintetizador AKAI EWI 5000, controladores MIDI, loop, flautas y otros aparatos. Las proyecciones de la ejecución de MP presentan la interfaz de MP, la programación en tiempo real, ciclos de sonidos y patrones en diversas unidades de tiempo.


Alejandro Albornoz (Chile)


Compositor, artista sonoro e investigador. Estudió composición electroacústica con Rodrigo Sigal y Federico Schumacher y trabaja en acusmática y live electronics desde 2004. Recientemente ha finalizado un Doctorado en Composición Electroacústica por la Universidad de Sheffield, Reino Unido, titulado Voice and poetry as inspiration and material in acousmatic composition, bajo la supervisión de Dr Adam Stanović y se encuentra a la espera de recibir su grado académico durante el segundo semestre de 2019. Ha participado en prestigiosos festivales como Synthèse (Bourges, Francia), las JIEM (Madrid), Sonoimágenes (Buenos Aires), Sound Junction (Sheffield) y Semaine Internationale de la Musique Electroacoustique (Lille, Francia). Es miembro de la Red de Arte Sonoro Latinoamericano (http://redasla.org). Compone regularmente para danza y teatro. Ha producido diversos conciertos, encuentros y charlas y publicaciones, destacando el Festival Internacional de Música Electroacústica Ai-maako y colecciones de música electroacústica chilena. Ha realizado presentaciones académicas en Chile, España, Portugal, Argentina, Colombia, Noruega e Inglaterra. Sus temas de interés investigativo son voz y poesía en música electroacústica, composición y análisis de música acusmática, espacialización del sonido, uso de algoritmos en arte y live coding.


Hundreds of Miliseconds (2017) Acusmática

Esta es la sección final del ciclo octofónico La Lumière Artificielle el cual es parte de la tesis doctoral del autor. Esta obra corresponde a la agrupación de tres de los lenguajes usados en el ciclo: francés, castellano e inglés. El ciclo completo está inspirado por el poeta chileno de vanguardia Vicente Huidobro. En una entrevista de 1919, Huidobro habló sobre un nuevo proyecto: “El poema creacionista simultaneísta La Lumière artificielle, a tres voces en gramófono con nuevos procedimientos”. Este proyecto nunca fue realizado. En el futuro, el poeta crearía obras teniendo al sonido como eje central, tanto en castellano como en francés, volviéndose así una importante referencia para la poesía sonora en el mundo de habla hispana. Esta obra, así como el ciclo completo, está inspirada por la frase de Huidobro y la idea de voces en un soporte fijo, abordando los siguientes temas: lenguajes, sonidos abstractos producidos vocalmente, antiguas y nuevas tecnologías. Esta pieza final del ciclo despliega algunos textos adicionales sobre el lenguaje humano, tecnologías de registro sonoro y arte, tomados de otros autores.


Panayiotis Kokoras (Estados Unidos)


Kokoras is an internationally award-winning composer and computer music innovator, and currently an Associate Professor of composition and CEMI director (Center for Experimental Music and Intermedia) at the University of North Texas. Born in Greece, he studied classical guitar and composition in Athens, Greece and York, England; he taught for many years at Aristotle University in Thessaloniki. Kokoras's sound compositions use sound as the only structural unit. His concept of "holophonic musical texture" describes his goal that each independent sound (phonos), contributes equally into the synthesis of the total (holos). In both instrumental and electroacoustic writing, his music calls upon a "virtuosity of sound," a hyper-idiomatic writing which emphasizes on the precise production of variable sound possibilities and the correct distinction between one timbre and another to convey the musical ideas and structure of the piece. His compositional output is also informed by musical research in Music Information Retrieval compositional strategies, Extended techniques, Tactile sound, Hyperidiomaticity, Robotics, Sound and Consciousness. More information at http://www.panayiotiskokoras.com


Superstrings (2014) para guitarra eléctrica y electrónica

Superstrings is a sound composition for prepared electric guitar and fixed electronics. In the piece, I use the sound of the electric guitar with no effects added on it, except some reverberation. I wanted to treat the electric quitar as an acoustic instrument taking advantage of its unique acoustic, electric and physical characteristics of the instrument. The title links the fascinating world of Superstrings Theory with the yet inexhaustible world of the electric guitar strings. The tape part creates a balanced counterpart to the instrumental part. They fuse together and create an interplay of sonic mnemonic associations.


Levy Oliveira (Brasil)


Levy Oliveira (b. 1993) is a Brazilian composer. He studies composition at the Federal University of Minas Gerais (UFMG), oriented by João Pedro Oliveira. Several festivals has played his music, most recently, Monaco Electroacoustique 2015 (Monaco/Monaco), MUSLAB 2015/2017 (Mexico City/Mexico), JIMEC 2015 (Amiens/France), Open Circuit 2016 (Liverpool/UK), Tinta Fresca 2016 (Belo Horizonte/Brazil), Clicle Somelgrup 2016 (Valencia/Spain), EMUFest 2016/2017 (Rome/Italy, New York City Electronic Music Festival (New York/USA), Ecos Urbanos Festival 2017 (Mexico City/Mexico) and MA/IN festival (Matera/Italy). His music Hyperesthesia received the First Prize in Eduardo Bertola Composition Competition. His piece Reminiscences received Honorary Mention in the Metamorphoses Composition Competition. His orchestral piece A Leap of Faith received honorary mention in the Festival Tinta Fresca 2016.


Golden Aspen (2017) para flauta y electrónica

Golden Aspen is the specie of the Pando tree. The plant is estimated to weigh collectively 6,000,000 kilograms (6,600 short tons), making it the heaviest known organism. This kind of tree reproduces via a process called suckering. An individual stem can send out lateral roots that, under the right conditions, send up other erect stems; from all above-ground appearances the new stems look just like individual trees. Such as the tree, the piece Golden Aspen (for amplified flute and electronics) try to expend itself by the smallest musical ideas presented in the beginning of the music. The piece was composed in the composer’s personal studio and in the Research Center of Contemporary Music of the Federal University of Minas Gerais (Belo Horizonte/Brazil).


Marcelo Espíndola (Chile)


Percusionista titulado en el Instituto de Música de Universidad Católica de Chile, en el año 2015 obtiene tu grado de Magíster en Artes. Como percusionista ha participado en diversas agrupaciones, pasando desde la orquesta clásica, la música contemporánea y música popular. Actualmente integra la banda de música soul, matahari. Desde el año 2004, participa en la comunidad electroacústica de chile, CECH, con quienes realiza y produce el Festival Internacional de Música electroacústica Ai-maako. A compuesto la música para diversas agrupaciones de música popular o docta, obras de teatro y cine. Su música se interpreta tanto en Chile como en el extranjero. En la actualidad su labor docente se desarrolla en el Instituto de Música de la Universidad Católica de Chile y en la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación, UMCE.


Los otros días no (2019) - Acusmática

Esta obra es una reedición y remezcla de material usado en otras obras, principalmente sonoridades de maderas y puertas. La forma de la composición está determinada por la exposición de los materiales de forma aleatoria a partir de una improvisación hecha en Ableton Live.


Bryan Holmes (Chile/Brasil)


Bryan Holmes (1981), compositor chileno radicado en Rio de Janeiro desde 2006. Es docente en la Universidad Federal del Estado de Rio de Janeiro (UNIRIO), en donde realizó su doctorado y master en música, guiados respectivamente por Carlos Palombini y Vania Dantas Leite. Es licenciado en ciencias y artes musicales por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso (PUCV), en donde estudió composición con Eduardo Cáceres. Sus obras han sido editadas, premiadas y estrenadas en más de 20 países. Ha participado en numerosos festivales como intérprete, curador, jurado y conferencista, así como en congresos y revistas presentando sus investigaciones.


Miragens (2016) Acusmática:

Esta obra explora conceptos como la fricción y la rugosidad en yuxtaposición y/o sobreposición con sonidos lisos y suaves. Otro concepto fundamental es el de las resonancias, muchas de las cuales fueron creadas a partir de la convolución entre espectros de fuentes diversas. Además de estos sonidos y de sonidos sintetizados con aparatos análogos construidos por el compositor, hay también fuentes instrumentales y vocales disfrazadas en medio de las tramas complejas que se desarrollan. Son estos los ""espejismos"" a los que hace referencia el título, no sólo por la forma en que las muestras se confunden en el discurso musical, sino también porque cargan información relacionada a otros tiempos y lugares, como visiones que aquí se encuentran de forma onírica.


Emilio Adasme (Chile)


Licenciado en música mención composición y musicología de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Es miembro de la Comunidad Electroacústica de Chile y productor del festival internacional de música electroacústica Ai Maako. Actualmente trabaja para el archivo de la Orquesta De Cámara de Chile. Su interés en la musicología se centra en la investigación de prácticas culturales vinculadas a la electrónica, la apropiación de tecnologías obsoletas, la performance y nuevos medios. Ha participado como colaborador y ponente en diferentes congresos de musicología en Chile. Como compositor se dedica a la música electroacústica, docta instrumental, noise y forma parte de la compañía de teatro compuesto “Oído Medio”. Ha participado en diferentes festivales y encuentros de música electrónica contemporánea en Chile, Argentina, España, Escocia y Estados Unidos.


Anulación (2019) Acusmática:

Anulación es una pieza acusmática que abarca diferentes aproximaciones al problema del copiado y pegado en el mundo del audio digital. Los cortes súbitos de sonidos y la interpolación de diversos momentos sónicos, revelan las técnicas de “Hard-Sampling” e instalan la pieza en el ámbito tecnológica de la era “Post-Digital”.


Syre (2019) Instalación:

Syre es una instalación sonora interactiva en la que la persona espectadora manipula el material sonoro permanente a través de jeringas que inyectan y extraen sonido. El resultado sonoro es representado a través de gráficas que se correlacionan con la altura del sonido y el espacio en el que ocurre.


Renata Anaya (Chile)


Compositora electroacústica del Conservatorio Nacional de Pantin en París(Francia). Desde los 6 a los 16 estudió música clásica y guitarra clásica, luego derivó al jazz, atraída por la improvisación vocal. Derivó sus estudios superiores en composición electroacústica con la compositora francesa Christine Groult y el compositor y baterista Marco Marini>


Amanacer (2019) Acusmática:

Esta pieza tiene un pedazo audible de la laguna azul en Cochamó y un pedazo audible de la capital. Los sonidos de Cochamó fueron capturados por ArteUsable, comenzando una colaboración artística para instalación. Amanacer quiere decir que las diversas naturalezas brotan sin excepción. La existencia evidente de lo malo y lo bueno.


Sean Moscoso (Chile)

Sean Moscoso. 1986. Licenciado en Educación Artística de la Universidad Católica Silva Henríquez, Magister en Artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Académico del Departamento de Sonido de la Facultad de Arte de la Universidad de Chile.


Felipe Weason (Chile)


Felipe Weason. 1984. Licenciado en Artes Plásticas de la Universidad de Chile, Magister en Artes Mediales de la misma Universidad. Ha desarrollado su trabajo artístico y profesional en torno a la experimentación en medios y tecnología digitales. Actualmente dedica su tiempo la investigación y producción en torno a las posibilidades críticas y expresivas en la experimentación con videojuegos y la performance digital.


shapeTentaclesSeq_v003min.exe (2019) Video:

Proyecto de performance digital diseñada y desarrollada por Felipe Weason y Sean Moscoso. Producido en el entorno de desarrollo para videojuegos Unity. Presentada en vivo por los dos artistas por medio de una proyección audiovisual. En la performance los dos jugadores/operadores frente a una imagen proyectada de un ambiente virtual; accionan y manipulan por medios de mandos y controladores una serie de objetos que producen sonidos previamente diseñados. Los objetos al interactuar unos con otros se agrupan formando secuencias y meta-secuencias; generando, por acumulación, diferentes texturas y densidades sonoras y visuales. El ambiente virtual estructurado bajos los medios y claves técnicos y de producción de los videojuegos, se presenta como un campo de acción restringido, con límites espacio temporales definidos y reglas propias. El proyecto a través de la performance pretende problematizar en torno a la interfaz, las relaciones corporales, y de producción en el consumo/uso/apropiación de los medios digitales, particularmente el videojuego.


Claudio Merlet (Chile)


Compositor y Lutier Experimental, orientado a la composición en entornos de síntesis modular, programación, instalaciones sonoras y a la utilización de instrumentos experimentales de su propia autoría. Su trabajo ha formado parte de diversas producciones, especialmente por lo realizado en teatro, televisión, danza y cine. Además ha participado de distintas residencias internacionales y ha dado conciertos, charlas y montado exhibiciones en diversos festivales y encuentros de prestigio, destacando Radical db (ES), EviMus (DE), FIME (BR), Rumor Arte Sonora (BR), Entre Lugares Sonoros (BR), Sonoteca (PE), Tsonami (AR), Voltajes Aleatorios (CL), Tantasi (CL), Pow Wow (CL), entre otros.


Katari (2019) Live Electronics:

Katari es un ser que habita en en el inframundo para los Likan Antai, que entre otras cosas es el responsable de los terremotos. Los sujetos que lo adoraban sueñan con que un día se levante y destruya a los usurpadores de la tierra, los pueblos y sus recursos. Esta obra diseñada especialmente para la AI-MAAKO 2019 pretende recrear estos deseos primigenios.


Marcos Valdivia (Perú)


Cree en la tecnología y su apropiación como herramienta para el desarrollo de las personas, de manera individual y sobretodo común y colectiva, y la enfoca en la práctica sonora y audiovisual. Sobre esta perspectiva, ha facilitado talleres, y dado conciertos y charlas en festivales, encuentros, ciclos y otros espacios especializados de Perú, Alemania, Bolivia, Colombia, Chile, Ecuador, México, Noruega y Suecia.


SC_190605_153429 (2019) Live Electronics:

Obra compuesta con el estímulo y motivación del río que atraviesa la cordillera creando un pongo.


Carlos Garrido (Chile)


Compositor de música electroacústica, chileno (1980), titulado en composición musical en la escuela de sonido del instituto ARCOS. Ha realizado además estudios de composición en la facultad de artes de la Universidad de Chile y ha participado en Talleres de Electroacústica y Arte Sonoro. Actualmente es docente de informática y artes. Su trabajo abarca la composición de música digital análoga en base a medios electrónicos y sintetizadores. Abordando el minimalismo, la música ambient y mixta para piano, percusión y medios electrónicos.


Hack Data (2019) Live Electronics:

La obra Hack Data se genera en un dispositivo programado, una máquina que interactúa con otras, llevando a cabo una función específica. Si hablamos del ser humano y su vida cotidiana, el contacto con las pantallas táctiles aproxima esta simulación a un plano corporal, comunicativo y una variable inserta en esta programación. La imagen remite al texto que se convierte en otra interfaz de comunicación, entre el universo de datos, el intérprete y el código. Hack data es una ambientación de un estado de emergencia en la que convergen elementos pulsativos y aleatorios, sonidos de bocinas, alarmas, motores y hélices sintéticas. Emplea a su vez un sintetizador virtual DIY monofónico de síntesis aditiva en el que el resultado es procesado mediante filtros asignados desde la escritura del texto y visualizado en forma de onda.


Pablo Godoy Frez (Chile)


Bachiller en artes musicales, compositor Musical, egresado del programa de postítulo en música electrónica de la Universidad de Chile, desde el año 2016 es miembro de la comunidad electroacústica de chile y parte del equipo de producción del festival internacional AI-MAAKO y Noche Blanca. Actualmente es estudiante de programación computacional y forma parte del grupo de música electrónica “no pressure”. Sus obras e intervenciones musicales han sido estrenadas en el Centro Cultural Espacio Matta, Centro Cultural Gabriela mistral (GAM), Instituto ARCOS, Escuela de música Projazz, sala Isidora Zegers (Universidad de chile), Sala América (Biblioteca Nacional), Audiomusica, Centro de Creación Infante 1415, CCE, MAC, concierto en Lüneburg Alemania como parte del 40th international week for contemporary music of Lüneburg.


Huella Digital (2019) Live Electronics:

improvisación mediante la ejecución de distintas interfaces electrónicas tanto digitales como análogas, a esto se suman las visuales de domingo (artista visual), las cuales buscan enfatizar y resaltar las distintas máquinas y entornos (interfaces) ocupados en la performance.


Paisajes (2011) Instalación:

La obra “paisajes” es una instalación sonora interactiva y abierta, en la cual se ocupan sonidos electrónicos reciclados en su totalidad. Todos los sonidos trabajados en la pieza nacen a partir de desechos sonoros, es decir, ruidos generados por máquinas en donde prima el diseño antes que el sonido, hay 4 ruidos que fueron previamente grabados con una grabadora digital y posteriormente reciclados, estos son: · flujo de locomoción · ruido emitido por un microondas · ruido emitido por los vagones del metro · Bip! (Transantiago) La pieza y los sonidos que la conforman se activan y accionan automáticamente con las pisadas de las personas que ingresen al lugar en donde se expondrá la obra. Habrá micrófonos de contacto en el piso, los cuales captarán las pisadas. De esta forma se activarán aleatoriamente los sonidos previamente trabajados en un punto del espacio sonoro determinado (espacio dado por los parlantes). Esto se consiguió desarrollando un parche en el programa MAX MSP.


GMSSL/FBWSM


GMS/FBW (actualmente, GMSSLSE/FBWGFSA). Es la sumatoria de Gerardo Figueroa, Martín Benavides y Seiten Wall, convocada por este último para una única presentación -sin ensayo ni reunión previa- a realizarse el día 19 de noviembre de 2016 en el Centro Cultural Espacio Elefante, mítico espacio del Departamento de Música de la Universidad de Chile. Impactados por el resultado y asumiendo que la experiencia continuaría en el tiempo, deciden transitar la senda de la libre improvisación -con y sin mapas- valiéndose para ello de cuanto objeto logran hacer sonar, acumulando presentaciones en vivo en espacios on y offline compartidos en Mixcloud u organizados para su escucha en álbumes tales como reciente disco “Vol.3” lanzado por el Net-label Pueblo Nuevo. En la actualidad, preparan un nuevo larga duración -en esplendoroso sonido monaural- con la participación de diversas/os invitadas/os.


Itinerario de absorción de mentes por el funcionamiento cuantitativo del CAOS y el TRAP (2019) Live Electronics:

Un/a colaboración/capricho de S/W por hacer mapas (y poner TRAP)/imposible de montar (¿?)


Mika Martini (Chile)

Mika Martini, músico autodidacta y diseñador, comienza su carrera solista a comienzos del 2002. Posteriormente, forma parte de la Comunidad Electroacústica de Chile (CECh), donde recibe diversas influencias e ideas, enfocando su trabajo hacia caminos más experimentales. Es director del netlabel Pueblo Nuevo, plataforma de difusión con más de 14 años de funcionamiento ininterrumpidos. Actualmente, mantiene el proyecto paralelo “Frank Benkho” y las agrupaciones “C/VVV” (Ganadores del premio Pulsar 2016) y “Laboratorio Dasein”. Su música ha sido editada en variados sellos y netlabels tanto nacionales como extranjeros. Con sus diversos proyectos ha presentado su música tanto en Chile como en el extranjero: Argentina, Perú, Brasil, Uruguay, México, España, UK, Alemania, Francia, Estados Unidos, entre otros.


Osvaldo Sotomayor (Chile)

Osvaldo Sotomayor Rojo. Titulado de arquitecto con estudios previos de ingeniería e interesado en las artes audiovisuales. Fundador de “Quinto Audio” equipo que trabaja en la investigación y desarrollo de equipos de audio de alta gama. Colaborador del sello Hueso Records. Fundador y codirector de Transaméricas. Sello independiente que tiene como misión recuperar contextualizar y difundir el patrimonio musical latinoamericano, con un foco particular en las diversas expresiones de la música de Chile.


Atacama (2019) Live Electronics:

Atacama es una performance en tiempo real, ejecutada por Osvaldo Sotomayor en tornamesa y loopera + Mika Martini en efectos. Enmarcada en el concepto de la “plunderphonía”, los artistas efectúan una improvisación sonora a partir de la manipulación del vinilo “Amacatá” de Juan Amenábar, extrayendo y repitiendo pequeños pasajes de los temas del disco, se va construyendo una especie de remix o collage sonoro, homenajeando esta gran obra musical.


Constanza Fredes Brickell (Chile)


Constanza Fredes (1992), Licenciada en Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Desde el año 2016, ha dedicado su trabajo de investigación artística a reflexionar respecto a las intersecciones entre arte, tecnología y explorando las posibilidades del sonido y sus manifestaciones físicas a través de la creación de dispositivos tanto analógicos como digitales. En Noviembre de 2018, se integró a la Compañía Artística Transdisciplinaria "Oído Medio".


Afecto T (2019) Video-Instalación:

Video-instalación sonora. Reflexiona sobre la agencia sonora de los objetos técnicos en la evocación de recuerdos y la construcción de memorias afectivas.











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Nahuel Litwin

Was born in Buenos Aires in 1974. Studied jazz guitar and then graduated in composition at the UNA (Universidad Nacional de Arte), Buenos Aires. Studied electroacustic music with Jorge Sad Levi and Ricardo Mandolini. Received several awards including 5th prize at Sime Music Festival 2018 in Lille, France and 1st prize at Fondo Nacional de las Artes in Buenos Aires. Will attend the Electroacustic Music Interpretation Course at the IRCAM ManiFeste 2018.
Notas al programa: This piece was composed after being present at a street protest in Buenos Aires. The energy irradiated by the people, noises, smells and lights led me to write some words which then became part of this “Grito Enceguecido”.s

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Levy Oliveira

Biografía: Levy Oliveira (b. 1993) is a Brazilian composer. Several festivals has played his music, most recently, Monaco Electroacoustique 2015 (Monaco), MUSLAB (Mexico City/Mexico), JIMEC 2015 (Amiens/France), Open Circuit 2016 (Liverpool/UK), Tinta Fresca 2016 (Belo Horizonte/Brazil), Clicle Somelgrup 2016 (Valencia/Spain), EMUFest (Rome/Italy), New York City Electronic Music Festival (New York/USA), Ecos Urbanos Festival (Mexico City/Mexico) and MA/IN festival (Matera/Italy). His music Hyperesthesia received the First Prize in Eduardo Bertola Composition Competition.
His orchestral piece A Leap of Faith received honorary mention in the Festival Tinta Fresca 2016.
Notas al programa: The piece is a reflection about life itself. The music acts as if the listener was inside the mind of someone close to death who is recalling important moments of his life such as childhood, sexual experiences, parties, work and death. The piece uses recorded and synthesized sounds to suggest all these environments, sometimes clearly and sometimes blurred, illustrating passages of life that almost everyone can relate with.

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Eduardo Nespoli

Eduardo Nespoli is a Brazilian composer and sound artist. He is professor at Federal University of São Carlos. He obtained the PhD degree in Arts at University of Campinas. His works explore the creation of experimental devices constructed from several materials, electronic circuits and digital processing, with which he composes fixed and improvised electroacoustic pieces and audiovisual performance. He has been presenting his works in many art festivals, highlighting International Electronic Language Festival (2017/2011), International Festival of Experimental Music (2016), ENCUN (2015/2014), Música de Invenção: experimental e improvisada (2013), Sonorities Festival of Contemporary Music (2012), among others.
Notas al programa: Noturno is a fixed media composition that explores the vibration of home objects in order to disclose their sound spectra. The sound of objects like ashtray, plates, forks, metallic pots and door locks were throughout recorded by placing microphones very close to them in order to pick up the harmonics inaudible to the naked ear. These sounds were then electronically processed by electroacoustic technics, including filters, compression, pitch shift, time stretch and granular synthesis. The title of the piece is a metaphor for the musical form, which evokes the subtle sounds that only become perceptible during the night expectation.

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Fernando Curiel

Fernando Curiel es compositor Argentino, artista interdisciplinario y explorador sonoro. Su búsqueda creativa se centra sobre la articulación entre música "instrumental y electroacústica", con una concepción biológica de la obra artística partiendo desde materiales antiguos y sensibles, sumergiéndose en el teatro musical, el video arte y las nuevas tecnologías. Realizó sus estudios de Profesor Superior con especialización en Composición y en Educación Musical (Conservatorio Julián Aguirre (Buenos Aires). También allí mismo se han realizado estudios de piano y guitarra cursos de perfeccionamiento en lenguaje musical contemporáneo con Germán Cancián y Leandra Yulita. Estudios en Música electroacústica con Enrique Belloc, Daniel Schachter. En2017, una de sus obras para flauta fue elegida en el marco del Concierto de la Diplomatura Superior de la cátedra de Flauta de la Maestra "Patricia Da Dalt". en el Conservatorio Nacional Manuel de Falla. Obtuvo el PREMIO TRIME 2017, en la categoría Electrónica con medios mixtos. Seleccionado en el Concurso International Call For Composers MEGA JURY. - 2018.
Notas al programa: La materia prima con que fue construida "Escapando por la tangente" proviene de esos materiales sonoros que encontramos cotidianamente en nuestras casas y que luego fueron alterados hasta conseguir sonidos de múltiples texturas tímbricas y espacialidades. La obra también demuestra transitar por caminos zigzagueantes, generando por momentos situaciones de mucha dinámica y velocidad, dentro de un marco cuadrafónico.

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Jorge Forero

Científico, Artista y Emprendedor, Jorge Forero es director ejecutivo en Ludique Chile, director de comunicaciones en Neuroespejo Digital y docente en el Design Lab de la Universidad Adolfo Ibañez. Licenciado en física por la Universidad Católica de Chile, con postgrado en Artes por la Universidad de Caldas y Magíster en Artes mediales por la Universidad de Chile, desde temprana edad cultivó el gusto por la música, estudiando violín, guitarra clásica (Escuela Moderna), Audio Digital (DGM) y música electroacústica (Arcis). En el plano laboral, Jorge Forero, se desempeñó como profesional en el Museo Interactivo Mirador MIM, ejerciendo labores de curador de sala, programador de exhibiciones interactivas, creador de talleres complementarios y relator en el programa de capacitación a profesores, tras lo cual decide emprender proyectos personales enfocados a la comunicación digital. Crea el 2008, Emov; educación en movimiento LDTA y el 2010, Ludique; comunicación interactiva.
Notas al programa: Tránsito es una obra audiovisual para código en vivo (live coding). Tránsito explora procesos, informáticos y culturales, que se crean y destruyen desde su misma definición, en la palabra o el código, y se transforman en el tiempo, en virtud de sus diversas interacciones. La obra se inspira, en particular, en el relato de Lakutaia Le Kipa, reconocida como la última mujer portadora de la legua y tradiciones Yaganes. De este modo, la pérdida del lenguaje destruye “lo real” en esta cultura y la condena a muerte: “Es peor que el diluvio”.

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Andrés Quezada

Andrés Quezada es un compositor y multi-instrumentista chileno que actualmente cursa estudios en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Estudió Percusión bajo la tutela de Carlos Vera y Gerardo Salazar y actualmente estudia Composición bajo la guía de Aliocha Solovera. Fue baterista de la banda de math rock tortuganónima desde el 2012 al 2016 y actualmente es líder y compositor de Narval Orquesta, un ensamble de nueve músicos que exploran una fusión ecléctica de géneros a lo largo de sus composiciones, desde el post-rock, el free jazz, la electroacústica y diversas influencias de la música clásica.
Notas al programa: Procesos, para batería y electrónica, nace de la búsqueda de expandir las posibilidades tímbricas del instrumento más allá de su sonoridad inherente. Sustentándose en la electrónica en tiempo real, va en una dirección distinta de la propuesta de otros bateristas que buscan experimentar desde las sonoridades tradicionales de la batería, considerando como parte fundamental de la obra la generación de nuevos sonidos a través de lo que va proponiendo el intérprete. Así, la batería dialoga con otro universo sonoro que nace de sí mismo. La versión que escuchamos hoy es una de las muchas posibles versiones generadas por el programa.

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Alejandro Brianza

Compositor, investigador y docente. Licenciado en Audiovisión, Técnico en sonido y grabación, flautadulcista. Magister en Metodología de la Investigación Científica. Es docente en la Universidad del Salvador y en la Universidad Nacional de Lanús, donde además forma parte de investigaciones relacionadas a la tecnología del sonido, la música electroacústica y los lenguajes contemporáneos, de las cuales ha dado conferencias y talleres en congresos y distintos encuentros del ámbito académico nacional e internacional. Es integrante de la plataforma colaborativa Andamio y miembro de la Red de Artistas Sonoros Latinoamericanos.
Notas al programa: Fútbol (2017). Entre lo amateur y lo profesional, entre el barrio y la cancha. No importa tu edad, tu género, ni el interés o la habilidad que tengas para este deporte. Está en la cultura, en la tradición, en lo cotidiano. Todo argentino, al menos de rebote escuchó acerca del fútbol, sus ídolos y leyendas.

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Rocío Cano Valiño

Rocío Cano Valiño(Argentina-1991) Compositora y Lic. Diseño de Interiores. Actualmente, estudia composición electroacústica con Stéphane BORREL en el Conservatoire à Rayonnement Régional (CRR) de Lyon, Francia. Ha obtenido el Premio del Público en el Concurso Luigi Russolo 2014 con su obra “El Sendero hacia lo Profundo”. En 2015, recibió un encargo del Festival Bahía[in]Sonora para realizar "Pyxis". En 2017, su obra “Tâches” recibió el 3er. premio de TRINARG. Sus obras han sido seleccionadas en diversos festivales del mundo como el Festival Mixtur, CEMI-Circles, Forum Wallis Ars Electronica, Matera INtermedia, EVIMUS, Exhibitronic, Festival Zéppelin, etc. Ha asistido a masterclases con Dhomont, Vaggione, Vande Gorne, Kokoras, Normandeau, Mary, Teruggi, entre otros. En 2017, el sello Resterecords editó su álbum monográfico 'Tâches'. Sus obras se encuentran publicadas en Monochrome Vision, Taukay Edizioni Musicali y Phas.e Platform labels.
Notas al programa: “Astérion” (2018) es una pieza acusmática inspirada en el cuento “La casa de Asterión” de J. L. Borges. La historia relata la vida del minotauro llamado Asterión que vive en un inmenso laberinto formado por una maraña de habitaciones y corredores que es imposible para cualquier persona que no sea su arquitecto (Dédalo) encontrar su camino. Éste es su casa, y a su vez, su prisión, es finito y al mismo tiempo infinito. Asterión pasa sus largos días jugando, corriendo por las galerías de piedra y fingiendo dormir. Cada nueve años entran a la casa nueve hombres para que él los libere de todo mal. Uno de ellos, antes de morir, profetizó que algún día llegaría su redentor (Teseo). La obra acusmática conduce al auditor a través del laberinto, por medio de este mundo de puertas y ventanas múltiples. En la última parte de la pieza, la concentración musical se acentúa vinculando este momento al enfrentamiento de Teseo con el minotauro. El suspiro del final representa el último aliento de Asterión.

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Rodrigo Sigal

(Ciudad de México - 1971). Profesor Titular de Tiempo Completo “B” desde 2017 en la ENES, Morelia. Es compositor y gestor cultural. Está interesado en el trabajo con nuevas tecnologías especialmente en el ámbito de la música electroacústica. Desde 2006 es el director del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (www.cmmas.org) desde donde coordina diversas iniciativas de creación, educación, investigación y gestión cultural relacionadas con el sonido y la música. Obtuvo un doctorado de la City University de Londres y un posdoctorado en la UNAM, así como un diploma en gestión cultural de la UAM-BID y ha continuado sus estudios y proyectos creativos con diversas becas y apoyo de instituciones como FONCA (miembro del SNCA) y la Fundación DeVos de gestión cultural, entre otros. Desde hace más de 10 años es parte del proyecto Lumínico (www.luminico.org), director del festival Visiones Sonoras (www.visionessonoras.org) y editor de la revista Ideas Sónicas (www.sonicideas.org). Sus proyectos artísticos, discos compactos e información completa está disponible en www.rodrigosigal.com

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Programa Concierto Valparaíso

Sinapsis (2008) (10’04”) Guitarra: Pablo Palacios
Para guitarrista interactivo y electrónica La obra fue un encargo del Ensamble Nomad de Japón y su guitarrista y director Norio Sato a quién la pieza esta dedicada. La obra pretende explorar aproximaciones distintas a las posibilidades que el intérprete reaccione a las instrucciones y sonidos que la computadora le envía y complemente las interacciones con la electroacústica fija. Invirtiendo el procesamiento en tiempo real que pasa de ser responsabilidad del computador a serlo del guitarrista, Sinapsis pretende tener caminos sonoros siempre diferentes pero que culminen en el mismo lugar.

Tolerance
Para cello y sonidos electroacústicos 11’40” (2000) Cello: Fernado Palacios En esta pieza parto de la premisa de que es posible crear un lugar en donde dos mundos puedan encontrarse y existir simultáneamente. Un mundo sonoro con relaciones y comportamientos intensos y complejos. El mundo del cello, en donde el intérprete es responsable de generar un entorno gestual que fomente la integración sonora. Así mismo, el mundo virtual de la electroacústica en donde todo es posible, pero que requiere del instrumento para tomar sentido, dirección y funciones musicales. ‘Tolerance’ obtuvo una Mención de Honor en la edición 2000 del concurso Luigi Russolo de Italia. Está dedicada a Thomas Gardner y ha sido interpretada por diferentes cellistas en varios países, sin embargo a lo largo de los últimos años Iracema de Andrade se ha encargado de darle una nueva vida a la obra a través de su creativa forma de aproximarse al trabajo mixto desde la perspectiva de un intérprete especializado. Finalmente podemos escuchar su versión de la obra.

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Programa Concierto Santiago

Real Scream Dream (1997)
Real Scream Dream no tiene necesariamente un comienzo ni un final. Es un paisaje sonoro grabado en el transcurso de 24 horas en la selva Lacandona en Chiapas, México. Esta creado solamente a partir del primer minuto de cada hora del día con la intención de, a través de los medios electroacústicos y la tecnología, representar los cambios graduales del contexto sonoro en la selva. Insectos, agua, aire, monos aulladores y otros eventos naturales suceden en la obra como parte integral de una instrumentación que permite a los habitantes de la selva ser los instrumentos.

Friction of things in other places (8’00”)(2002) (La fricción entre cosas en otros lugares)
Cuando suceden cosas simultáneamente siempre existen diferentes niveles de fricción. Energía, desacuerdo, alturas, acción física y otras areas en donde es la diferencia la que puede generar el material musical. Friction of things in other places explora diferentes niveles para estructurar ideas por medio de diferencias en el material y las Fuentes sonoras. Fué creada en el estudio del compositor en y en los estudios de City University en Londres, Inglaterra con un apoyo del Fondo nacional para la Cultura y las Artes de México.

Repetition of perception (2012) (7’40”)
Es una obra acusmática que pretende explorar la estructura a partir de equivalentes sonoros que cumplan funciones musicales similares pero sin repetir las características espectrales. Es una exploración intuitiva para ser difundida en 8 canales.
La pieza fue gracias a la beca del Sistema Nacional de Creadores y escrita especialmente para el concierto de aniversario del Centro de Investigación y Estudios Musicales (CIEM) en Noviembre del 2012.

Vida Lunar Flauta Alejandro Lavaderos (2005 our 920) flauta baja video electrónica
La búsqueda de sonidos para esta obra se fueron convirtiendo cada vez más en un espacio real y virtual. El potencial de la flauta utilizada (baja y contra bajo de dos metros y medio de largo) es infinito. Esto, junto con las posibilidades de la tecnología me hicieron sentirme como en un viaje más allá de los sentidos que espero se pueda compartir a través del sonido. Quiero agradecer inmensamente el apoyo para la realización de esta obra al Dr. Alejandro Escuer quién ayudó a la creación de los materiales utilizados. La pieza es un encargo de Alejandro Lavanderos a quién esta dedicada y con el apoyo del Instituto de Música de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile.

Interlineal (2017 dur 1046)
Commissioned by GRM in 2017 this is a work supported by the SNCA (Mexico) is a multichannel piece exploring connecting lines between materials, space and sources. Composed at the Mexican Centre for Music and Sonic Arts (www.cmmas.org).

Sonic Farfalla. Flauta y electrónica Flauta: Alejandro Lavanderos DUR:9:10 2004
Dedicada al flautista Mexicano Alejandro Escuer esta obra pretende mostrar en sonido la experiencia de una mariposa (farfalla) en un día de vida, mostrando el caos y saturación sonora en la que existimos.

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Felipe Otondo

Nació en Santiago de Chile, estudió acústica en Chile y luego percepción del sonido en Dinamarca, donde trabajó varios años como investigador en acústica musical. En Dinamarca estudió composición de forma privada con el compositor Anders Broedsgaard y en el año 2008 completó un doctorado en composición en la Universidad de York en Inglaterra con los compositores Roger Marsh y Ambrose Field como tutores. Ha realizado música electrónica en diversos formatos, proyectos de teatro musical, obras interactivas e instalaciones sonoras. Sus composiciones han sido interpretadas en más de 30 países en Europa, Asia, las Américas y Australia y ha ganado premios de composición en Austria, Bulgaria, China, Francia, Italia, Rusia y la República Checa. Su trabajo de investigación ligado a la música y la composición musical ha sido publicado por importantes revistas científicas como Acta Acustica united with Acustica, Computer Music Journal y Organised Sound. Actualmente se desempeña como profesor asociado en el Instituto de Acústica de la Universidad Austral de Chile. Recientemente publicó su segundo disco monográfico titulado “Night studies” con el sello británico Sargasso. Más información en: http://www.otondo.net/

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Programa Concierto Valparaíso

Night studies
Las tres obras del concierto fueron compuestas entre el 2013 y 2017 utilizando como base diversos sonidos de percusión y grabaciones de paisaje sonoro realizadas en Chile, Inglaterra, Kenia y México. El trabajo fue construido como una travesía sonora a través de paisajes nocturnos reales e imaginarios utilizando como marco timbrístico el amplio registro de sonoridades de una orquesta de gamelán de Java. Las obras incluidas en este trabajo recibieron diversos premios de composición, entre los cuales destacan 2016 Città di Udine (Italia), 2016 Computer Space (Bulgaria), 2013 Musica Nova (República Checa) y SYNC 2013 (Rusia). Más información en www.otondo.net

Night study 1 (2013)
…y nuestra moto es del color de la noche. Nuestra moto es un burro negro que viaja sin prisa por las tierras de la Curiosidad.
Roberto Bolaño

Night study 2 (2017)
¡Oh noche amable más que la alborada!
San Juan de la Cruz

Night study 3 (2018)
La melancolía eran los sonidos en una noche de invierno…
Virginia Woolf

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Obra Concierto Santiago

Night study 2 (2016)
“¡Oh noche amable más que la alborada!”
(San Juan de la Cruz)
Esta obra fue concebida como una travesía sonora a través de paisajes nocturnos reales e imaginarios utilizando como marco timbrístico el amplio registro de sonoridades de una orquesta de gamelán de Java. Distintos tipos de grabaciones de instrumentos de percusión del gamelán fueron utilizados como base para desarrollar una trama sonora orgánica donde sonidos naturales y sintetizados pudieran ser mezclados y contrastados con grabaciones de paisaje sonoro realizadas en Chile, Inglaterra y México. Esta obra fue compuesta durante una residencia en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras en Morelia y es la segunda parte del ciclo de trabajos iniciado con la obra “Night study 1”.

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Pablo Godoy


GMS/FBW


Grupo conformado por los músicos Gerardo Figueroa, Martin Benavides y Seiten Wall. El estilo del grupo es como 'improvisación controlada', articulada en base a mapas estructurados por cada integrante, donde la exploración del sonido y los recursos técnicos de los equipos e instrumentos a utilizar es lo primordial. Llegando a presentarnos en lugares como: Centro Cultural Espacio Elefante (Facultad de Artes de la U de Chile), Café Con Cables versión 7.0 y 9.0 (Casa de los Diez), Concierto Noche Blanca 2017 (MAC Parque Forestal), El Corral (Barrio Bellavista), Chile canta al mundo (Lo Hermida Radio Televisión), XV Festival Internacional Ai-Maako (Centro Cultural de España), Café de Las Artes Yolanda Hurtado (Taller Siglo XX) y Sala América (Biblioteca Nacional), entre otros. Notas al Programa: Obra en un movimiento para Live Electronic.
Cada integrante revisa la app para celular 'Oblique Strategies' antes de iniciar la ejecución. Una vez iniciada, revisar la app en tres oportunidades en cualquier momento de la ejecución. Las indicaciones entregadas por la app deben respetarse a cabalidad.

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Emilio Adasme

Emilio Adasme estudió composición y musicología en la Universidad Católica de Chile. Es miembro de la Comunidad Electroacúsitca de Chile y productor del festival internacional de electroacúsitca Ai Maako. Es profesor de composición electroacúsitca mediante el software Max Msp en el espacio de creación sonora “Casa Ruido” en Santiago de Chile. Su música ha sido parte de diferentes festivales y cursos de especialización en Chile, Argentina y Estados Unidos.
Notas al programa: iKlept (2018), obra acusmática estrenada en el festival de música electroacústica de New York, es una pieza que aborda el concepto de apropiación en el medio ambiente creativo contemporáneo de la internet. La pieza está construida usando diferentes samples de diversas procedencias, la mayor parte provenientes de Youtube y librerias de sonidos, junto con sonidos sintetizados. Usando técnicas de composición contemporáneas como el hard sampling, el objetivo es formar un collage ecléctico de sonido y, al mismo tiempo, conservar el significado semántico original de los samples usados para crear un discurso que abarca el acto de robar, la apropiación y la resignificación de elementos sonoros.

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Carlos Garrido


Compositor de música electroacústica, chileno (1980), titulado en composición musical en la escuela de sonido del instituto ARCOS. Ha realizado además estudios de composición en la facultad de artes de la Universidad de Chile y ha participado en Talleres de Electroacústica y Arte Sonoro. Actualmente es docente de informática y artes. Su trabajo abarca la composición de música digital análoga en base a medios electrónicos y sintetizadores. Abordando el minimalismo, la música ambient y mixta para piano, percusión y medios electrónicos. Nota al Programa: Live electronics y visuales reactivas para medios electrónicos y dispositivos digitales. Interfaces, refiere a dispositivos que interactúan entre sí y el intérprete. Pulsos, masas sonoras, ARPs, generados por instrumentos y medios electrónicos. Al mismo tiempo estos elementos son controlados por dispositivos electrónicos no musicales, los cuales intervienen el código y visualidad gráfica que se muestra reactiva a impulsos y flujos sonoros, comunicados via OCS y bluetooth.

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Gabriel Zamora


Gabriel Zamora (Gabbo) nacido en Valparaíso criado en Viña del Mar, 25 de Enero de 1992, estudiante último año de licenciatura en música en la Universidad de Valparaíso, intérprete en Batería, compositor de música electroacústica, etnógrafo sonoro, investigador; a través de ese enfoque es que realicé en el 2017 un seminario sobre composición electroacústica del paisaje sonoro de Viña del Mar con motivos a la contaminación acústica, en el 2015 participé en seminario de gentrificación sonora en el festival Tsonami y desde el 2012 realizó talleres de etnografía sonora en distintos centros culturales de Viña del Mar y Valparaíso.

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