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Programación

Compositores Invitados

Compositores seleccionados del llamado internacional



Invitados Nacionales



Compositores CECH

Charlas

Charla Ricardo Tapia y Gerardo Figueroa

Miércoles 17 de octubre de 2018. de 18:00 a 19:00 hrs. Lugar: CCE

Charla/Escucha por los 50 años del Primer Disco de Música Electroacústica en Chile.

Charla Fredy Vallejos

Jueves 18 de octubre de 2018. 10:00 hrs. Auditorio IMUC

“Hacia una periodicidad difusa”

Charla Felipe Otondo

Jueves 18 de octubre de 2018. 11:30 hrs. Auditorio IMUC

'Night studies: procesos creativos y formas de escucha', presentación de su disco “Night studies”

Charla Rodrigo Sigal

Viernes 19 de octubre de 2018. 11:30 hrs. Auditorio IMUC

Presentación y discusión de su libro “Estrategias compositivas en la música electroacústica”










Organiza:



Proyecto Financiado por:

Patrocinadores:

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Nahuel Litwin

Nació en Buenos Aires en 1974. Estudió guitarra de Jazz y se graduó en composición en la UNA (Universidad Nacional de Arte), Buenos Aires. Estudió música electroacústica con Jorge Sad Levi y Ricardo Mandolini. Ha recibido diversos premios incluyendo el quinto lugar en el Sime Music Festival 2018 en Lille, Francia y el primer lugar en el Fondo Nacional de las Artes en Buenos Aires. Formará parte del curso de interpretación de música electroacústica en IRCAM Manifeste 2018. Notas al programa: Grito Enceguecido (2018), acusmática con soporte fijo. Esta pieza fue compuesta después de estar presente en una protesta en Buenos Aires. La energía irradiada por las personas, ruidos, olores y luces dirigió al compositor a escribir algunas palabras que luego formaron parte de este “Grito Enceguecido”.

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Levy Oliveira

Compositor Brasileño. Ha formado parte de diversos festivales de música, entre los cuales los más recientes son el Monaco Electroacoustique 2015 (Monaco), MUSLAB (Mexico City/Mexico), JIMEC 2015 (Amiens/France), Open Circuit 2016 (Liverpool/UK), Tinta Fresca 2016 (Belo Horizonte/Brazil), Clicle Somelgrup 2016 (Valencia/Spain), EMUFest (Rome/Italy), New York City Electronic Music Festival (New York/USA), Ecos Urbanos Festival (Mexico City/Mexico) and MA/IN festival (Matera/Italy). Su pieza “Hyperesthesia” recibió el primer lugar en el concurso de composición Eduardo Bertola. Su pieza orquestal “A Leap Of Faith” recibió la mención honrosa en el festival Tinta Fresca 2016. Notas al programa: Reminiscences -Memorial to a Common Citizen (2018), acusmática con soporte fijo. La pieza es una reflección sobre la vida en sí misma. La música actúa como si el auditor estuviera dentro de la mente de alguien cercano a su muerte, quién recuerda momentos importantes de su vida como su niñez, experiencias sexuales, fiestas, trabajo y muerte. La pieza usa sonidos grabados y sintetizados para sugerir estos ambientes, a veces evidentes y a veces difuminados, ilustrando pasajes de vida con los que casi todos pueden relacionarse.

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Eduardo Nespoli

Eduardo Nespoli, compositor y artista sonoro Brasileño. Es profesor de la Universidad Federal de São Carlos. Obtuvo su PhD en artes en la Universidad de Campinas. Sus trabajos exploran la creación de aparatos experimentales construidos de diversos materiales como circuitos electrónicos y procesos digitales. Con estos compone piezas de música electroacústica en soporte fijo e improvisada, además de performance audiovisuales. Ha presentado sus trabajos en diferentes festivales de arte. Entre los más destacados están el International Electronic Language Festival (2017/2011), International Festival of Experimental Music (2016), ENCUN (2015/2014), Música de Invenção: experimental e improvisada (2013), Sonorities Festival of Contemporary Music (2012), entre otros. Notas al programa: Noturno (2018), Acusmática con soporte fijo. que explora la vibración de objetos hogareños con el fin de revelar su espectro sonoro. Los objetos como ceniceros, platos, tenedores, ollas metales y cerrojos fueron grabados con micrófonos a corta distancia para recoger sus armónicos inaudibles a la escucha desnuda. Estos sonidos fueron procesados electrónicamente bajo técnicas electroacústicas, incluyendo filtros, compresión, pitch shift, time stretch y síntesis granular. El título de la pieza es una metáfora de la forma músical, la que evoca los sonidos sutiles que se vuelven perceptibles solo durante la expectación de la noche.

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Fernando Curiel

Fernando Curiel es compositor Argentino, artista interdisciplinario y explorador sonoro. Su búsqueda creativa se centra sobre la articulación entre música "instrumental y electroacústica", con una concepción biológica de la obra artística partiendo desde materiales antiguos y sensibles, sumergiéndose en el teatro musical, el video arte y las nuevas tecnologías. Realizó sus estudios de Profesor Superior con especialización en Composición y en Educación Musical (Conservatorio Julián Aguirre (Buenos Aires). También allí mismo se han realizado estudios de piano y guitarra cursos de perfeccionamiento en lenguaje musical contemporáneo con Germán Cancián y Leandra Yulita. Estudios en Música electroacústica con Enrique Belloc, Daniel Schachter. En2017, una de sus obras para flauta fue elegida en el marco del Concierto de la Diplomatura Superior de la cátedra de Flauta de la Maestra "Patricia Da Dalt". en el Conservatorio Nacional Manuel de Falla. Obtuvo el PREMIO TRIME 2017, en la categoría Electrónica con medios mixtos. Seleccionado en el Concurso International Call For Composers MEGA JURY. - 2018.
Notas al programa: La materia prima con que fue construida "Escapando por la tangente" proviene de esos materiales sonoros que encontramos cotidianamente en nuestras casas y que luego fueron alterados hasta conseguir sonidos de múltiples texturas tímbricas y espacialidades. La obra también demuestra transitar por caminos zigzagueantes, generando por momentos situaciones de mucha dinámica y velocidad, dentro de un marco cuadrafónico.

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Jorge Forero

Científico, Artista y Emprendedor, Jorge Forero es director ejecutivo en Ludique Chile, director de comunicaciones en Neuroespejo Digital y docente en el Design Lab de la Universidad Adolfo Ibañez. Licenciado en física por la Universidad Católica de Chile, con postgrado en Artes por la Universidad de Caldas y Magíster en Artes mediales por la Universidad de Chile, desde temprana edad cultivó el gusto por la música, estudiando violín, guitarra clásica (Escuela Moderna), Audio Digital (DGM) y música electroacústica (Arcis). En el plano laboral, Jorge Forero, se desempeñó como profesional en el Museo Interactivo Mirador MIM, ejerciendo labores de curador de sala, programador de exhibiciones interactivas, creador de talleres complementarios y relator en el programa de capacitación a profesores, tras lo cual decide emprender proyectos personales enfocados a la comunicación digital. Crea el 2008, Emov; educación en movimiento LDTA y el 2010, Ludique; comunicación interactiva.
Notas al programa: Tránsito es una obra audiovisual para código en vivo (live coding). Tránsito explora procesos, informáticos y culturales, que se crean y destruyen desde su misma definición, en la palabra o el código, y se transforman en el tiempo, en virtud de sus diversas interacciones. La obra se inspira, en particular, en el relato de Lakutaia Le Kipa, reconocida como la última mujer portadora de la legua y tradiciones Yaganes. De este modo, la pérdida del lenguaje destruye “lo real” en esta cultura y la condena a muerte: “Es peor que el diluvio”.

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Andrés Quezada

Andrés Quezada es un compositor y multi-instrumentista chileno que actualmente cursa estudios en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Estudió Percusión bajo la tutela de Carlos Vera y Gerardo Salazar y actualmente estudia Composición bajo la guía de Aliocha Solovera. Fue baterista de la banda de math rock tortuganónima desde el 2012 al 2016 y actualmente es líder y compositor de Narval Orquesta, un ensamble de nueve músicos que exploran una fusión ecléctica de géneros a lo largo de sus composiciones, desde el post-rock, el free jazz, la electroacústica y diversas influencias de la música clásica.
Notas al programa: Procesos, para batería y electrónica, nace de la búsqueda de expandir las posibilidades tímbricas del instrumento más allá de su sonoridad inherente. Sustentándose en la electrónica en tiempo real, va en una dirección distinta de la propuesta de otros bateristas que buscan experimentar desde las sonoridades tradicionales de la batería, considerando como parte fundamental de la obra la generación de nuevos sonidos a través de lo que va proponiendo el intérprete. Así, la batería dialoga con otro universo sonoro que nace de sí mismo. La versión que escuchamos hoy es una de las muchas posibles versiones generadas por el programa.

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Alejandro Brianza

Compositor, investigador y docente. Licenciado en Audiovisión, Técnico en sonido y grabación, flautadulcista. Magister en Metodología de la Investigación Científica. Es docente en la Universidad del Salvador y en la Universidad Nacional de Lanús, donde además forma parte de investigaciones relacionadas a la tecnología del sonido, la música electroacústica y los lenguajes contemporáneos, de las cuales ha dado conferencias y talleres en congresos y distintos encuentros del ámbito académico nacional e internacional. Es integrante de la plataforma colaborativa Andamio y miembro de la Red de Artistas Sonoros Latinoamericanos.
Notas al programa: Fútbol (2017). Entre lo amateur y lo profesional, entre el barrio y la cancha. No importa tu edad, tu género, ni el interés o la habilidad que tengas para este deporte. Está en la cultura, en la tradición, en lo cotidiano. Todo argentino, al menos de rebote escuchó acerca del fútbol, sus ídolos y leyendas.

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Rocío Cano Valiño

Rocío Cano Valiño(Argentina-1991) Compositora y Lic. Diseño de Interiores. Actualmente, estudia composición electroacústica con Stéphane BORREL en el Conservatoire à Rayonnement Régional (CRR) de Lyon, Francia. Ha obtenido el Premio del Público en el Concurso Luigi Russolo 2014 con su obra “El Sendero hacia lo Profundo”. En 2015, recibió un encargo del Festival Bahía[in]Sonora para realizar "Pyxis". En 2017, su obra “Tâches” recibió el 3er. premio de TRINARG. Sus obras han sido seleccionadas en diversos festivales del mundo como el Festival Mixtur, CEMI-Circles, Forum Wallis Ars Electronica, Matera INtermedia, EVIMUS, Exhibitronic, Festival Zéppelin, etc. Ha asistido a masterclases con Dhomont, Vaggione, Vande Gorne, Kokoras, Normandeau, Mary, Teruggi, entre otros. En 2017, el sello Resterecords editó su álbum monográfico 'Tâches'. Sus obras se encuentran publicadas en Monochrome Vision, Taukay Edizioni Musicali y Phas.e Platform labels.
Notas al programa: “Astérion” (2018) es una pieza acusmática inspirada en el cuento “La casa de Asterión” de J. L. Borges. La historia relata la vida del minotauro llamado Asterión que vive en un inmenso laberinto formado por una maraña de habitaciones y corredores que es imposible para cualquier persona que no sea su arquitecto (Dédalo) encontrar su camino. Éste es su casa, y a su vez, su prisión, es finito y al mismo tiempo infinito. Asterión pasa sus largos días jugando, corriendo por las galerías de piedra y fingiendo dormir. Cada nueve años entran a la casa nueve hombres para que él los libere de todo mal. Uno de ellos, antes de morir, profetizó que algún día llegaría su redentor (Teseo). La obra acusmática conduce al auditor a través del laberinto, por medio de este mundo de puertas y ventanas múltiples. En la última parte de la pieza, la concentración musical se acentúa vinculando este momento al enfrentamiento de Teseo con el minotauro. El suspiro del final representa el último aliento de Asterión.

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Rodrigo Sigal

(Ciudad de México - 1971). Profesor Titular de Tiempo Completo “B” desde 2017 en la ENES, Morelia. Es compositor y gestor cultural. Está interesado en el trabajo con nuevas tecnologías especialmente en el ámbito de la música electroacústica. Desde 2006 es el director del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (www.cmmas.org) desde donde coordina diversas iniciativas de creación, educación, investigación y gestión cultural relacionadas con el sonido y la música. Obtuvo un doctorado de la City University de Londres y un posdoctorado en la UNAM, así como un diploma en gestión cultural de la UAM-BID y ha continuado sus estudios y proyectos creativos con diversas becas y apoyo de instituciones como FONCA (miembro del SNCA) y la Fundación DeVos de gestión cultural, entre otros. Desde hace más de 10 años es parte del proyecto Lumínico (www.luminico.org), director del festival Visiones Sonoras (www.visionessonoras.org) y editor de la revista Ideas Sónicas (www.sonicideas.org). Sus proyectos artísticos, discos compactos e información completa está disponible en www.rodrigosigal.com

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Programa Concierto Valparaíso

Sinapsis (2008) (10’04”) Guitarra: Pablo Palacios
Para guitarrista interactivo y electrónica La obra fue un encargo del Ensamble Nomad de Japón y su guitarrista y director Norio Sato a quién la pieza esta dedicada. La obra pretende explorar aproximaciones distintas a las posibilidades que el intérprete reaccione a las instrucciones y sonidos que la computadora le envía y complemente las interacciones con la electroacústica fija. Invirtiendo el procesamiento en tiempo real que pasa de ser responsabilidad del computador a serlo del guitarrista, Sinapsis pretende tener caminos sonoros siempre diferentes pero que culminen en el mismo lugar.

Tolerance
Para cello y sonidos electroacústicos 11’40” (2000) Cello: Fernado Palacios En esta pieza parto de la premisa de que es posible crear un lugar en donde dos mundos puedan encontrarse y existir simultáneamente. Un mundo sonoro con relaciones y comportamientos intensos y complejos. El mundo del cello, en donde el intérprete es responsable de generar un entorno gestual que fomente la integración sonora. Así mismo, el mundo virtual de la electroacústica en donde todo es posible, pero que requiere del instrumento para tomar sentido, dirección y funciones musicales. ‘Tolerance’ obtuvo una Mención de Honor en la edición 2000 del concurso Luigi Russolo de Italia. Está dedicada a Thomas Gardner y ha sido interpretada por diferentes cellistas en varios países, sin embargo a lo largo de los últimos años Iracema de Andrade se ha encargado de darle una nueva vida a la obra a través de su creativa forma de aproximarse al trabajo mixto desde la perspectiva de un intérprete especializado. Finalmente podemos escuchar su versión de la obra.

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Programa Concierto Santiago

Real Scream Dream (1997)
Real Scream Dream (1997), Acusmática con soporte fijo. La pieza no tiene necesariamente un comienzo ni un final. Es un paisaje sonoro grabado en el transcurso de 24 horas en la selva Lacandona en Chiapas, México. Esta creado solamente a partir del primer minuto de cada hora del día con la intención de, a través de los medios electroacústicos y la tecnología, representar los cambios graduales del contexto sonoro en la selva. Insectos, agua, aire, monos aulladores y otros eventos naturales suceden en la obra como parte integral de una instrumentación que permite a los habitantes de la selva ser los instrumentos.

Friction of things in other places (8’00”)(2002), Acusmática con soporte fijo
Cuando suceden cosas simultáneamente siempre existen diferentes niveles de fricción. Energía, desacuerdo, alturas, acción física y otras areas en donde es la diferencia la que puede generar el material musical. Friction of things in other places explora diferentes niveles para estructurar ideas por medio de diferencias en el material y las Fuentes sonoras. Fué creada en el estudio del compositor en y en los estudios de City University en Londres, Inglaterra con un apoyo del Fondo nacional para la Cultura y las Artes de México.

Repetition of perception (2012) (7’40”), ”), Acusmática con soporte fijo.
Es una obra acusmática que pretende explorar la estructura a partir de equivalentes sonoros que cumplan funciones musicales similares pero sin repetir las características espectrales. Es una exploración intuitiva para ser difundida en 8 canales.
La pieza fue gracias a la beca del Sistema Nacional de Creadores y escrita especialmente para el concierto de aniversario del Centro de Investigación y Estudios Musicales (CIEM) en Noviembre del 2012.

Vida Lunar Flauta Alejandro Lavaderos (2005 our 920), para Flauta baja, video y electrónica. Flauta Alejandro Lavanderos.
La búsqueda de sonidos para esta obra se fueron convirtiendo cada vez más en un espacio real y virtual. El potencial de la flauta utilizada (baja y contra bajo de dos metros y medio de largo) es infinito. Esto, junto con las posibilidades de la tecnología me hicieron sentirme como en un viaje más allá de los sentidos que espero se pueda compartir a través del sonido. Quiero agradecer inmensamente el apoyo para la realización de esta obra al Dr. Alejandro Escuer quién ayudó a la creación de los materiales utilizados. La pieza es un encargo de Alejandro Lavanderos a quién esta dedicada y con el apoyo del Instituto de Música de la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile.

Interlineal (2017 dur 1046), Acusmática con soporte fijo.
Comisionada por el GRM en 2017 y apoyada por la SNCA (México). Pieza multicanal que explora la conexión de líneas entre materiales, espacios y fuentes. Compuesta en el Centro Mexicano para la música y arte sonoro (www.cmmas.org).

Sonic Farfalla (2004) (9’10”), para flauta y electrónica. Flauta: Alejandro Lavanderos.
Dedicada al flautista Mexicano Alejandro Escuer esta obra pretende mostrar en sonido la experiencia de una mariposa (farfalla) en un día de vida, mostrando el caos y saturación sonora en la que existimos.

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Felipe Otondo

Nació en Santiago de Chile, estudió acústica en Chile y luego percepción del sonido en Dinamarca, donde trabajó varios años como investigador en acústica musical. En Dinamarca estudió composición de forma privada con el compositor Anders Broedsgaard y en el año 2008 completó un doctorado en composición en la Universidad de York en Inglaterra con los compositores Roger Marsh y Ambrose Field como tutores. Ha realizado música electrónica en diversos formatos, proyectos de teatro musical, obras interactivas e instalaciones sonoras. Sus composiciones han sido interpretadas en más de 30 países en Europa, Asia, las Américas y Australia y ha ganado premios de composición en Austria, Bulgaria, China, Francia, Italia, Rusia y la República Checa. Su trabajo de investigación ligado a la música y la composición musical ha sido publicado por importantes revistas científicas como Acta Acustica united with Acustica, Computer Music Journal y Organised Sound. Actualmente se desempeña como profesor asociado en el Instituto de Acústica de la Universidad Austral de Chile. Recientemente publicó su segundo disco monográfico titulado “Night studies” con el sello británico Sargasso. Más información en: http://www.otondo.net/

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Programa Concierto Valparaíso

Night studies
Las tres obras del concierto fueron compuestas entre el 2013 y 2017 utilizando como base diversos sonidos de percusión y grabaciones de paisaje sonoro realizadas en Chile, Inglaterra, Kenia y México. El trabajo fue construido como una travesía sonora a través de paisajes nocturnos reales e imaginarios utilizando como marco timbrístico el amplio registro de sonoridades de una orquesta de gamelán de Java. Las obras incluidas en este trabajo recibieron diversos premios de composición, entre los cuales destacan 2016 Città di Udine (Italia), 2016 Computer Space (Bulgaria), 2013 Musica Nova (República Checa) y SYNC 2013 (Rusia). Más información en www.otondo.net

Night study 1 (2013)
…y nuestra moto es del color de la noche. Nuestra moto es un burro negro que viaja sin prisa por las tierras de la Curiosidad.
Roberto Bolaño

Night study 2 (2017)
¡Oh noche amable más que la alborada!
San Juan de la Cruz

Night study 3 (2018)
La melancolía eran los sonidos en una noche de invierno…
Virginia Woolf

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Obra Concierto Santiago

Night study 2 (2016)
“¡Oh noche amable más que la alborada!”
(San Juan de la Cruz)
Esta obra fue concebida como una travesía sonora a través de paisajes nocturnos reales e imaginarios utilizando como marco timbrístico el amplio registro de sonoridades de una orquesta de gamelán de Java. Distintos tipos de grabaciones de instrumentos de percusión del gamelán fueron utilizados como base para desarrollar una trama sonora orgánica donde sonidos naturales y sintetizados pudieran ser mezclados y contrastados con grabaciones de paisaje sonoro realizadas en Chile, Inglaterra y México. Esta obra fue compuesta durante una residencia en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras en Morelia y es la segunda parte del ciclo de trabajos iniciado con la obra “Night study 1”.

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Pablo Godoy


Bachiller en artes musicales, compositor musical, egresado del programa de postítulo en música electrónica de la Universidad de chile, desde el año 2016 es miembro de la comunidad electroacústica de chile y forma parte del equipo de producción del festival internacional AI-MAAKO y noche blanca, actualmente es estudiante de programación computacional.
Sus obras e intervenciones musicales han sido estrenadas en el centro cultural espacio Matta, centro cultural Gabriela Mistral (GAM), instituto ARCOS, escuela de música Projazz, sala Isidora Zegers, sala América, centro de creación Infante 1415, centro cultural de España (CCE), museo de arte contemporáneo (MAC), hochschule für musik und theater Hamburg, Cafe con Cables, Mec concert lüneburg.
nota de programa: live electronics.

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Emilio Adasme

Emilio Adasme estudió composición y musicología en la Universidad Católica de Chile. Es miembro de la Comunidad Electroacúsitca de Chile y productor del festival internacional de electroacúsitca Ai Maako. Es profesor de composición electroacúsitca mediante el software Max Msp en el espacio de creación sonora “Casa Ruido” en Santiago de Chile. Su música ha sido parte de diferentes festivales y cursos de especialización en Chile, Argentina y Estados Unidos.
Notas al programa: iKlept (2018), obra acusmática estrenada en el festival de música electroacústica de New York, es una pieza que aborda el concepto de apropiación en el medio ambiente creativo contemporáneo de la internet. La pieza está construida usando diferentes samples de diversas procedencias, la mayor parte provenientes de Youtube y librerias de sonidos, junto con sonidos sintetizados. Usando técnicas de composición contemporáneas como el hard sampling, el objetivo es formar un collage ecléctico de sonido y, al mismo tiempo, conservar el significado semántico original de los samples usados para crear un discurso que abarca el acto de robar, la apropiación y la resignificación de elementos sonoros.

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Carlos Garrido


Compositor de música electroacústica, chileno (1980), titulado en composición musical en la escuela de sonido del instituto ARCOS. Ha realizado además estudios de composición en la facultad de artes de la Universidad de Chile y ha participado en Talleres de Electroacústica y Arte Sonoro. Actualmente es docente de informática y artes. Su trabajo abarca la composición de música digital análoga en base a medios electrónicos y sintetizadores. Abordando el minimalismo, la música ambient y mixta para piano, percusión y medios electrónicos. Nota al Programa: Live electronics y visuales reactivas para medios electrónicos y dispositivos digitales. Interfaces, refiere a dispositivos que interactúan entre sí y el intérprete. Pulsos, masas sonoras, ARPs, generados por instrumentos y medios electrónicos. Al mismo tiempo estos elementos son controlados por dispositivos electrónicos no musicales, los cuales intervienen el código y visualidad gráfica que se muestra reactiva a impulsos y flujos sonoros, comunicados via OCS y bluetooth.

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Gabriel Zamora


Gabriel Zamora (Gabbo) nacido en Valparaíso criado en Viña del Mar, 25 de Enero de 1992, estudiante último año de licenciatura en música en la Universidad de Valparaíso, intérprete en Batería, compositor de música electroacústica, etnógrafo sonoro, investigador; a través de ese enfoque es que realicé en el 2017 un seminario sobre composición electroacústica del paisaje sonoro de Viña del Mar con motivos a la contaminación acústica, en el 2015 participé en seminario de gentrificación sonora en el festival Tsonami y desde el 2012 realizó talleres de etnografía sonora en distintos centros culturales de Viña del Mar y Valparaíso.

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GMS/FBW


Grupo conformado por los músicos Gerardo Figueroa, Martin Benavides y Seiten Wall. El grupo aborda lo que se denomina como 'improvisación controlada', articulada en base a mapas estructurados por cada integrante. La exploración del sonido y los recursos técnicos de los equipos e instrumentos a utilizar es lo primordial. El grupo se ha presentado en lugares como: Centro Cultural Espacio Elefante (Facultad de Artes de la U de Chile), Café Con Cables versión 7.0 y 9.0 (Casa de los Diez), Concierto Noche Blanca 2017 (MAC Parque Forestal), El Corral (Barrio Bellavista), Chile canta al mundo (Lo Hermida Radio Televisión), XV Festival Internacional Ai-Maako (Centro Cultural de España), Café de Las Artes Yolanda Hurtado (Taller Siglo XX) y Sala América (Biblioteca Nacional), entre otros.
Notas al Programa: Obra en un movimiento, Live Electronics. Cada integrante revisa la app para celular 'Oblique Strategies' antes de iniciar la ejecución. Una vez iniciada, revisar la app en tres oportunidades en cualquier momento de la ejecución. Las indicaciones entregadas por la app deben respetarse a cabalidad.

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Mika Martini / Felipe Visor


Mika Martini
Hugo Espinosa Chellew aka “Mika Martini”, diseñador, comienza su carrera como músico electrónico solista a comienzos del 2002. Posteriormente, forma parte de la Comunidad Electroacústica de Chile (CECh), donde recibe diversas influencias e ideas, enfocando su trabajo hacia caminos más experimentales. Es director del netlabel Pueblo Nuevo, plataforma de difusión con más de 13 años de funcionamiento ininterrumpidos, además de gestor cultural, productor de conciertos y artista visual. Actualmente, mantiene el proyecto paralelo “Frank Benkho” y las agrupaciones “C/VVV” (Ganadores del premio Pulsar 2016) y “Laboratorio Dasein”. Su música ha sido editada en variados sellos y netlabels tanto nacionales como extranjeros, como Pueblo Nuevo, Epa sonidos, Jacobino Discos, Clang, Sudamérica Electrónica, entre otros, completando más de 65 producciones entre discos solista, grupales, compilados y remixes. Con sus diversos proyectos ha presentado su música tanto en Chile como en el extranjero: Argentina, Perú, Brasil, Uruguay, México, España, UK, Alemania, Francia, Estados Unidos, Escocia, entre otros.

Felipe Vergara AKA Felipe Visor
Artista visual y diseñador, desde el año 2005 experimenta con una técnica visual analógica generada a través de proyectores de diapositivas, los cuales emiten diferentes mezclas de tintas, líquidos y texturas dando un efecto lumínico en movimiento que se mezcla con imágenes fijas, textos y fotografías.
Notas al programa: Tensión superficial, Live electronics + visuales. Los artistas Mika Martini (Blippo Box, efectos y sintetizador modular) y Felipe Visor (proyectoras de diapositivas), fusionan sus habilidades para crear paisajes audiovisuales a partir de la improvisación, generando capas sonoras abstractas de intensidades diversas y cambiantes, las cuales tienen su traducción en imágenes dinámicas producidas por reacciones químicas afectadas por la luz y el movimiento.


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Renata Carrasco


Compositora electroacústica del Conservatorio Nacional de Pantin en París(Francia). Ahí estudió junto a Christine Groult y Marco Marini. Desde los 6 a los 16 años estudió guitarra clásica. Luego voz , atraída por cantantes como Maria Joao, Boby Mcferrin y Meredith Monk. Viajera, que en la posición de pasajera, lo que toca, canta y compone sita desplazamiento de sonoridades. Desde el 2011 da clases de música a niños, usando la teoría clásica y contemporánea, en variados instrumentos con técnicas que desarrollan en los niños, una exploración sonora y de motricidad autónoma y experimental.
Notas de programa:
Dia electo. La pieza está centrada en el trabajo del lenguaje y la rítmica. Está construida con grabaciones hechas en Chile, Mexico y Brasil.
Cita el carácter latino de los dichos y acentos. Las muletillas, los cantos y las recitaciones.

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Gerardo Figueroa


Gerardo Figueroa Rodríguez (Santiago RM, 1969) celebra en Ai-Maako el aniversario número 30 de su proyecto de investigación artística, GFR Broadcasting System, con el estreno de #soloshow, mini disco que se incorpora al catálogo del netlabel Pueblo Nuevo. Su obra sonora se reparte entre plataformas web chilenas y extranjeras Su investigación forma parte de los libros colectivos "La rueda mágica" (2017) y "Vientos del pueblo" (2018). Integra, además, junto a Martín/Benavides y Seiten/Wall, el trío de improvisación electrónica experimental GMS/FBW y tiene a su cargo el programa "Sonidos tomados en Chile, un podcast en marcha" en Radio Tsonami.
Nota al Programa: #soloshow 2, Live electronics. Intervención improvisada del poema "Sangre sucia", escrito y declamado por Lorena López Araya, con el software de código abierto Mixxx. Espacialización por Seiten/Wall

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Federico Schumacher


Compositor. Investigador asociado, Laboratorio de Fenomenología Corporal y Experiencia Musical, Facultad de Psicología, Universidad Diego Portales (Chile). Estudios en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Francia y Canadá. Doctorando en Procesos Analíticos y Creativos en la Universidad Federal de Minas Gerais (Brasil). En tanto compositor se ha dedicado preferentemente a la composición de obras acusmáticas, por las cuales ha recibido diversos reconocimientos y distinciones en Chile y el extranjero. Como investigador se ha interesado en la historia de la música electroacústica en Chile y en la cognición musical relacionada con la experiencia musical acusmática. Dirige y participa de proyectos de investigación financiados por Conicyt y el Fondo de la Música Nacional del Ministerio de las Culturas y las Artes.
Nota al programa: Vuelo Nocturno (2017), Acusmática con soporte fijo. A Saint-Exupéry. A quienes se extravían en ‛la secreta casa de la noche’ Ahora todos son caídos menos nosotros los caídos.
Ahora todo el universo eres tu y yo menos tu y yo.
(Raúl Zurita, Canto a su Amor Desaparecido).

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Marcelo Espíndola


Percusionista y Magíster en Artes titulado la Universidad Católica de Chile. Como percusionista ha participado en diversas agrupaciones musicales, pasando desde la orquesta clásica, la música contemporánea y música popular- Desde 1996 hasta hoy, integra la banda de música soul, Matahari. Integró el Grupo de Percusión de la Universidad Católica entre los años 1991-2006, donde participó como intérprete compositor y productor. Desde el año 2004, participa en la comunidad electroacústica de chile, CECH, con quienes realiza y produce el Festival Internacional de Música electroacústica Ai-maako. A compuesto la música para diversas agrupaciones de música popular o docta, obras de teatro y cine. Su música se interpreta tanto en Chile como en el extranjero. En la actualidad su labor docente se desarrolla en el Instituto de Música de la Universidad Católica de Chile, en la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación, UMCE y en la Escuela de Sonido instituto Profesional de Chile, IPCHILE .
Del vacío (2018), Esta obra obra realizada con muestras de audio recopiladas de artefactos domésticos de distintos materiales como vidrio, madera y metales, los cuales son intervenidos o modificados y mezclados entre sí generando nuevos timbres. La utilización de los distintos sonidos se entremezclan sugiriendo nuevos timbre mezclando las maderas el vidrio y los metales. La obra fluctúa entre los sonidos procesados y el silencio, utilizando este último como material de desarrollo en la obra.

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Fredy Vallejos


Fredy Vallejos (Pasto-Colombia) ha realizado estudios de percusión, composición, informática musical y musicología en Colombia (Universidad de Nariño, Conservatorio Antonio María Valencia) Francia (IRCAM, Conservatorio de Lyon, Universidad Jean Monnet, Universidad Claude Bernard- Lyon II) y Suiza (Escuela de Altos estudios musicales de Ginebra). Su preocupación estética, caracterizada por la exploración de un universo sonoro múltiple y heterogéneo, se basa en trabajos de investigación etnomusicológica, formalizados mediante herramientas de CAO (Composición Asistida por Ordenador) y en la relación del sonido con otras formas de arte. Ha realizado recitales como solista, compositor, o miembro de diferentes ensambles, así como conferencias o Master Class en diversos países (Alemania, Argentina, Bélgica, Bolivia, Colombia, Costa Rica, Ecuador, España, EEUU, Francia, Holanda, Italia, México, Perú o Suiza) y participado en festivales como MANCA , Archipel, MANIFESTE, Encuentros Sonoros, Eklekto, Acanthes o Charlesroi Danses.

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“Ai-Maako”


Palabra compuesta de origen selknam, se refiere a la gran cadena montañosa que se extiende desde Venezuela y que desaparece poco a poco en dirección al polo sur, a la que hoy llamamos cordillera de los Andes. Este elemento topográfico milenario sirve de punto de referencia para las culturas que emergieron y siguen emergiendo al sur del mundo. Tanto para los chilenos, como para los selknam, el Ai-Maako es parte de su cultura.
Tanto como la cordillera, la música electroacústica forma parte de las construcciones y apropiaciones del Chile moderno. Considerada por algunos como la vertiente más experimental de la música docta de raíz europea, este género se ha desarrollado en Chile con tal apego y devoción como si de estas latitudes hubiera nacido. Sus referentes nacionales han consolidado su arte ante una escena translocal en constante movimiento y búsqueda identitaria, a tal punto que hoy en día se puede constatar una historia y una escena viva de compositoras y compositores de música electroacústica en el país.
La Comunidad Electroacústica de Chile es fruto del trabajo y la dedicación de aquellos que se dedicaron a promover el arte y el aprendizaje vinculado a la ciencia, tecnología y la música. Así mismo, el festival Ai Maako forma parte del legado de la CECH y de la historia del género en Chile, que tiene sus inicios con José Vicente Asuar, León Schidlowsky y Juan Amenábar a finales de los 50. El desarrollo de un lenguaje propio ha evolucionado y ha sido re-significado constantemente desde aquella época, siendo el presente festival uno de los elementos que da cuenta de este proceso.
Hoy se completa un nuevo capítulo que se suma a aquellos que han aparecido fielmente desde el año 2001 en adelante. Nuevas voces, nuevos sonidos y nuevas tecnologías convergen, esta vez para recordarnos que la música en sí misma no es estacionaria si no más bien dinámica y diversa. Latinoamérica se hace presente más que nunca en esta edición con 8 exponentes de diversos meridianos y latitudes. A su vez, la participación Chilena en el marco de Ai Maako demuestra un creciente interés por las sonoridades propias de la música electroacústica del lado oeste de la cordillera.
El Ai Maako sigue en pie desde los ojos selknam, ante quienes Chile mantiene sus deudas y compromisos. Ambas naciones mantienen la misma cosmovisión: la cordillera no es nuestra si no lo hacemos nuestra. Que la música electroacústica sirva de ejemplo en este proceso de creación y adaptación de elementos culturales y que esta se desarrolle, como propone José Miguel Candela, “en dignidad y diversidad”.
Emilio Adasme, miembro cech.

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Juan Amenábar (1922-1999)


Biografía: Ingeniero civil de profesión, Juan Amenábar realizó estudios instrumentales y de teoría con los profesores Luis Vilches, Pedro Valencia-Courbis y Lucila Césped, y de composición con Jorge Urrutia Blondel en el Conservatorio Nacional de Música de la Universidad de Chile. Más tarde prosiguió estudios de perfeccionamiento en el extranjero.
Su vocación científica se manifestó de manera activa en su labor creativa: en 1953 emprendió las primeras experiencias sonoras en cinta magnética, trabajos que lo convirtieron en un precursor de esta clase de tecnología aplicada a la música en nuestro país. En 1955 fundó el Taller Experimental del Sonido en la Universidad Católica de Santiago y compuso la obra electroacústica Los Peces, considerada la primera en su especie, tanto en Chile como en Latinoamérica. En esta misma línea, fue uno de los artífices de la creación del Gabinete de Electroacústica para la Música de Arte (GEMA), dependiente de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, institución en la cual se desempeñó como director del Departamento de Música y Vicedecano de la Facultad de Artes entre los años 1981 y 1983.
Nota al Programa: Klesis(Invitación) (1968). Es una obra inspirada en el profundo contenido simbólico del siguiente pasaje perteneciente al Apocalipsis de San Juan: "He aquí que estoy ante la puerta y llamo: Si alguien escucha mi voz y abre la puerta, entraré a él y cenaré con él y él conmigo".
Dos características predominan en su lenguaje musical: una exaltación de los valores sonoros puros y un devenir temporal sereno y consiente. A través de la evolución y coordinación de ambos aspectos, se exploran diversas cualidades sonoras y temporales, las cuales, en todo caso parecen estar al servicio de la idea simbólica central. "La composición y grabación se efectuó partiendo de 11 materiales sonoros básicos... los que a su vez dan origen por elaboración a más de 40 elementos con frecuencias y timbres diferenciados". Klesis parece revelar un enfoque diferente a aquel que caracteriza a la música electrónica europea y norteamericana, en la que tiende a predominar un lenguaje complejo y super elaborado, no exento de hermetismo. Tanto el empleo generoso del espacio y del tiempo como su atmósfera predominante de soledad parecen establecer un entronque anímico de esta obra con lo telúrico de la geografía americana. Los valores expresivos del silencio, en toda la potencialidad ofrecida por sus cualidades sintácticas y semánticas, se destacan especialmente en su lenguaje.
Enfocada globalmente, esta obra responde a una estructura cíclica alternante, dividida en siete secciones que describiremos brevemente a continuación: 1 (A): Introducción en la cual sobresale una elaboración dinámica de planos sonoros, a los cuales se agregan fragmentos textuales enunciados por una voz infantil (altamente evocadora y expresiva) que el compositor elabora por retrogradación.
2 (B): Superposición de elementos percutidos contrastantes, dando origen a una polirritmia que descansa sobre un pulso regular binario.
3 (A'): Desarrollo contrapuntístico en dos canales con efecto fonocinético. Predominio de planos sonoros estratificados a base de impulsos continuos y reiterados, encadenados a un nuevo ambiente colorístico (sugerente y casi impresionista) en el cual se incorpora nuevamente la voz infantil en su fase final.
4(B'): Denso episodio polirrítmico, cuyas elaboraciones tímbricas y secuencias métricas y rítmicas conducen al clímax principal.
5 (A'): Retomo a los planos sonoros estratificados, intercalándose, en su sector final, breves fragmentos enunciados por la voz infantil.
6 (A'): Desarrollo colorístico y dinámico de planos estratificados.
7 (A + B): Re exposición y sumación de elementos y recursos presentados en las secciones precedentes, combinados sucesivamente y simultáneamente en un interesante e imaginativo episodio final.
Esta serie de secciones, en la cual predomina un pensamiento oneiri forme, forma una configuración coherente y estilísticamente unificada. A través de su desarrollo, se exploran múltiples recursos de repetición y variación, puestos al servicio de sus principales elementos constructivos, la estratificación sonora, la polirritmia y la voz infantil (portadora del mensaje simbólico). Este último elemento, sutilmente elaborado haciendo resaltar sus cualidades eufónicas, es el que contribuye, en forma más destacada, a otorgar un carácter humano dramático y altamente expresivo a Klesis.